瀏覽社交媒體會發現，“含舞量”成為當下觀眾評價舞劇水平的重要指標。什麼是“含舞量”？最直觀的理解，一部舞劇是否有多處藝術風格鮮明且佔據作品主體位置的舞段。這些舞段的動作、調度、構圖，能夠帶來藝術的審美體驗。作為從業者，我驚喜地看到許多觀眾能從舞劇《隻此青綠》“傾”的體態中感受山水畫皴法的動勢，能在造型的“靜”中體會靜而不止的氣韻。觀眾以“含舞量”為尺，本質是對舞劇呈現的身體動態、流動構圖、表演等提出更高的審美要求。

　　“含舞量”低，原因之一是“舞”與“劇”失衡。舞劇的題材、立意、結構，大都需要從“劇”的角度進行闡釋：有些舞劇雖然很有“含舞量”，但敘事主要依靠字幕、旁白、投影，舞段本身缺少必要的敘事邏輯和表達線索﹔有些舞劇借助大眾熟知的文學影視作品和歷史典故，期望觀眾可以“腦補”故事與細節﹔還有些舞劇忽視舞蹈藝術的特性，一味追求邏輯復雜、人物眾多，依靠啞劇式動作推進情節。當“劇”大於“舞”，且舞段與劇情關聯較弱時，觀眾就有“含舞量”低的直觀感受。

　　“含舞量”低，還有一個原因是缺乏高質量舞段。高質量不僅來源於匠心獨運的創作、精雕細琢的排練、精益求精的表演，也是舞段生動闡釋作品主題的結果。群舞構圖、獨舞情緒、雙人舞人物關系，都是詮釋主題的重要方式。在起承轉合中，觀眾通過舞段感受劇中人物的喜怒哀樂和世情百態。在舞劇《唱支山歌給黨聽》結尾，主角三兄妹對藏族阿媽和漢族阿媽情感升華的群舞，動作技巧簡潔，僅依靠藏族舞蹈的屈伸動律與行禮體態，加以飽滿情緒，便擁有極強感染力。可見，真正優質的舞段，依靠清晰的情感、精巧的編排打動觀眾﹔反之，空洞雜亂、表意模糊的技巧堆砌，動作越多，越讓人如墮雲霧。一些低“含舞量”的作品不僅舞段稀缺，僅存的舞蹈段落還表意薄弱，雙重降低觀眾觀感。

　　舞劇創作的關鍵是藝術表達與舞台呈現的統一。雖然創作者與觀眾時常就舞劇“含舞量”各持己見，但成熟創作者會持續自我追問兩層核心問題：一是舞蹈層面，為何設計這段舞蹈，要傳遞何種情緒﹔二是敘事層面，這段劇情存在的意義是什麼，需要借助怎樣的肢體語言呈現。在雙向思考中，把主題轉化為舞蹈編排，用舞蹈承載故事，既不會為了劇情刪減舞段，也不會為了堆砌動作割裂情節，從根源規避“含舞量”偏低的問題。

　　上世紀八九十年代，國內舞劇創作者曾對舞蹈語言、舞劇結構展開突破性探索，推動創作手法、藝術觀念全面革新。如今大眾針對“含舞量”的爭議，某種程度上是對歷史討論的延續，也為優化當下創作提供思路。創作者不能簡單地將提出批評的觀眾歸為“非專業、看不懂舞蹈”，反而要借助觀眾反饋，正視當下創作弊病，擺脫舞、劇二元對立的路徑依賴，拓展舞劇創作新空間。

　　《 人民日報 》（ 2026年08月11日 20 版）